Programación de las X Jornadas Comiqueras (España)

Programación X Jornadas Comiqueras BCN (ESP) by SD DISTRIBUCIONES

Investigadores de la historieta chilena: detectives de las viñetas (fragmento)

Carlos Reyes y Jorge Montealegre

Leyendo el sitio web Ergocomics, me acabo de enterar de la entrevista Investigadores de la historieta chilena: detectives de las viñetas que el sitio especializado Mesa Gráfica les hizo a los investigadores Carlos Reyes y Jorge Montealegre, respecto de su ejemplar labor de rescate de la historieta chilena. A continuación, reproduzco un fragmento con las preguntas que más me interesaron:

El año pasado entrevistamos al dibujante chileno Gonzalo Martínez y una de las cosas que más nos llamó la atención es que él hablaba de la subvaloración de la historieta chilena por los mismos chilenos. Él dijo: “La historieta es parte de nuestra cultura, pero no nos damos cuenta”. ¿Están de acuerdo? Y ¿qué creen que es necesario cambiar para que desaparezca esa subvaloración?

Carlos: Es que depende de quién la subvalore, porque hay mucha gente que admira la historieta, y en general me parece que los chilenos subvaloran todo lo que está impreso en este país. También creo que el origen de la historieta, esa mezcla extraña entre letras y dibujos, es bastardo. Recuerden que nace en un diario amarillista estadounidense, cuando se publica The yellow kid, entonces me parece que ese origen bastardo la marca un poco al principio. Luego se comienza a pensar que, como los niños son los que más son seducidos por el dibujo, la historieta debe contener sólo temáticas infantiles, y en Estados Unidos se llama “comic”, porque su principal característica es el humor. A mí me parece que la historieta, por sus cualidades de bastardía, ha sido criticada siempre. Y porque después vienen los superhéroes y éstos se asocian a lo nerd, al hombre adulto que sigue siendo un niño, y por un momento las historietas comienzan a alimentar sólo a ese mundo nerd y ahí sí que hubo un “secuestro del cómic”, porque era muy de nicho. Entonces, por mucho tiempo, todo eso atentó contra este arte. La historieta es un lenguaje maduro que no necesita validación. La historieta no necesita adaptar grandes obras de la literatura para encontrar validez, porque es un lenguaje en sí misma, un medio de expresión. Sin embargo, por mucho tiempo la educación fomentó la idea de que la historieta, al incluir dibujo, no es literatura. Quimantú, en su tiempo, hizo historieta política, a veces muy evidente, y eso también influyó en que muchas personas dejaran de leer cómics. Entonces, hay muchos factores que han afectado la percepción de los chilenos respecto a la historieta. Recordemos el escándalo que se armó cuando se supo que el maletín literario del gobierno contenía historietas. Una escritora, incluso, lo calificó como algo nefasto. Yo recuerdo que antes, si yo llevaba una revista de historietas al colegio, el profesor me la quitaba, la guardaba o hasta la rompía. Ahora, los profesores le piden a los alumnos que lean historietas. Entonces, las cosas están cambiando.

Jorge: Yo creo que lo que ha estado cambiando es que las personas que están haciendo cómics e ilustración tienen una libertad que antes no se tenía, y no estoy hablando de la cosa política, sino que no hay necesariamente una forma chilena de dibujar, una manera que tenga continuidad, por lo tanto, todas las formas son válidas. El nivel de información que hay sobre lo que se hace en otras partes es increíble, o sea hay una cuestión de voluntad de querer saber cómo dibujan en el país que se te ocurra y, por lo tanto, la página en blanco es muy grande, muy grande. Curiosamente yo ayer estaba revisando un libro que se llama Ilustración a la Chilena, que me pareció muy bueno y justamente me pareció que no necesariamente es “a la chilena”, en el sentido que ahora es muy complicado decir que hay poesía, dibujo o música “a la chilena”, porque hay libertad de temáticas y de técnicas, y siempre se está pensando en un mercado amplio, no solamente para Chile. Por lo tanto, es cada vez más difícil decir que una expresión que tiene un lenguaje universal, como es el gráfico, tiene una expresión nacional. Ahora, está la voluntad del dibujante que puede tener una cierta pretensión de representatividad nacional, pero eso es propio de cada uno.

Sabemos que hay muchas diferencias entre lo que se hacía en la edad de oro de la historieta chilena (1950-1970) y lo que se está haciendo ahora, diferencias tecnológicas, oficios en la línea de producción que ya no existen o relaciones profesionales, como las del dibujante maestro y el dibujante discípulo, que ya no se dan. Pero, ¿qué es lo que permanece?, ¿qué es lo que hermana el trabajo que se hacía antaño con el que hacen los historietistas actuales?

Jorge: Hay autores que mediante sus personajes le han dado una continuidad a la historieta chilena. Y de ahí pueden haber salido discípulos o no, pero hay un momento en los años 80, dentro del cómic experimental, en el fanzine, en que se imponen los personajes de los años 40 y algunos de los 60, como Condorito, Pepe Antártico o Mampato. Ellos son parte de la historieta cómica chilena más consolidada, y hay dibujantes más jóvenes que aprendieron de esas revistas y luego tuvieron su propio discurso.

Carlos: Es que… lo particularmente chileno para mí siempre es un problema. Cuando en los 80, Los Prisioneros hacían rock o ska, la gente les preguntaba por qué lo hacían si eso no era chileno, y ellos les respondían que claro, originalmente no era chileno, pero que si era hecho por chilenos, lo era. Bueno, yo creo que lo que une a los historietistas del pasado con los del presente es una larga tradición de la que ni ellos son conscientes, porque está en el ADN de lo que leyeron. Porque como decía Gonzalo Martínez… o Miguel Ángel Ferrada, ya no recuerdo quién fue (risas), si tú has leído Condorito, ya eres un lector de historieta chilena, aunque después no lo sigas haciendo. Por ejemplo, ¿cómo le llamamos a un hombre que hace todo lo que dice su señora? Macabeo*, y esa palabra viene de una historieta chilena muy popular en su época (1940). Hay muchas palabras que usamos que vienen de la historieta. Entonces, es posible que no todos los chilenos conozcan los cómics que se están haciendo ahora, pero todos han leído alguna historieta chilena, y todos conocen Barrabases, a Mortis, a Pepe Antártico y, por lo tanto, la historieta está en el ADN de todos los chilenos. Yo recuerdo que cuando era niño iba a las casas de mis amigos del barrio y en todas esas casas, incluso en las de piso de tierra, había historietas. Y mucha historieta chilena porque era barata, accesible, y la gente la leía sin vergüenza. Entonces, en el ADN de los abuelos o en la retina de los tíos de uno, se puede encontrar el recuerdo de esas viñetas.

Ver la entrevista completa aquí.

Nuevo espacio para el cómic en "Lau Chun Católica"

Nota del periódico .edu de la PUCP

Espacio Cómic
Librería Lau Chun Católica. Tercer piso del edificio Tinkuy - Pontificica Universidad Católica del Perú - PUCP
Celular: 991365474
facebook.com/pages/Espacio-Cómic/1433943510187080

Entrevista a los autores de historieta en "Perro Muerto Producciones"

Entrevista realizada el 19 de abril de 2014

¿Cuándo comenzó Perro Muerto Producciones? (¿cómo así?)

Paulo Rivas (P): En el 2006 originalmente. El logotipo de Perro Muerto lo empecé a usar en el 2001 con el Sindicato de Héroes Anónimos. En ese tiempo publicaba este fanzine en San Marcos y pegaba posters para anunciarlo por ahí.

El logotipo en sí lo inventó un amigo, Juan Carlos Rodriguez, y se había quedado entre mis apuntes. Es una ironía a la problemática de la historieta, todas las malas jugadas que nos habían hecho en un montón de lugares. Seguí usando el logo de Perro Muerto para editar un par de cosas más. Juan Carlos mismo usó el logo para una web donde estábamos todos los patas de la época de Calandria: Nilton Olivera, Álvaro Portales, Iván Visalot, todos publicábamos trabajos en esa página el tiempo que duró y, con esa gente, publicamos el Extraño del 2006.

Luego conocí a otra mancha que dibujaba más estilo manga y habían publicado en la revista Sugoi en los 90. Formamos con ellos el estudio Kuchami. Habíamos alquilado una habitación en el mismo piso de la sede del Club Neo-V. Curiosamente, era el mismo lugar donde antes se hacía la revista Sugoi. Sacamos unas cuantas publicaciones con el sello de Estudio Kuchami, del 2008 al 2010.

Luego nos mudamos acá (la casa de Paulo) y comenzamos a usar el nombre de Perro Muerto Producciones, ya formalizando una editorial.

¿Qué opina su familia sobre este trabajo?

Javier Soto (JS): Mi familia no cree en mí (risas).

P: La mía ya se resignó (risas).

Juan Pablo Montenegro (JP): La mía me apoya. Total, sale de mi plata.

¿Cómo se dividen el trabajo? ¿Qué roles cumple cada uno?

JS: Cada uno hace su historia. Salvo para este proyecto: La muerte roja.

P: La muerte roja es una novela gráfica que vamos a publicar. Viene a ser la precuela de una historia más extensa de Juan Pablo, que viene preparando desde hace mucho tiempo.

¿Qué caracteriza su producción?

P: Quiero creer que las historias. Los autores aquí se preocupan del arte también pero a lo que trato de prestarle más atención es a las historias. Cada autor trae la suya, hacemos brainstorming y metemos algo de mano, salvo algunas excepciones. Con la historia de Pedro Castro, por ejemplo, no nos hemos metido porque cuando llegó ya la tenía bastante avanzada y no quise interrumpir su esfuerzo creativo.

Nos divertimos a la hora de hacer las historias, por eso nos preocupamos de ese tipo de detalles. Dentro de lo posible buscamos que los giros de cada historia y los personajes resulten originales, aun cuando trabajamos algunos de los géneros más trillados del manga. Si no, comenzamos a editar de nuevo todo. Es trabajoso pero nos gusta el resultado que queda. No se cambia la intención del autor pero se potencia el mensaje que quiso transmitir, salvo que éste sea impublicable. No publicamos de todo, tenemos algunas reticencias. Hay otros espacios para ello.

JS: Los cambios normalmente son para bien.

Explíquenme sus principales productos. ¿A qué público van?

P: GodDamned: Acción sobrenatural dirigido a chicos pero quienes compran más son las chicas dark (risas).

JP: AngelDreams: Puras chicas, aunque chicos algo mayores también.

P: Khan: Retro. Es para todas las edades porque es parodia total y he tratado de tenerlo libre de chistes de doble sentido y lisuras exageradas. Capitán Nandito, que es todo lo opuesto. Khan, Daigami, Miau! y El Anillo de Sor vienen incluso desde 1997. El Khan se publicaba originalmente en la revista Manga Express. Lo que hago ahora sería la precuela de esa historia.

¿A qué se dedican, fuera de la historieta?

P: La mayoría trabaja de lunes a viernes en diseño gráfico y/o animación. Excepto Jorge, que estudia ingeniería y Hermilio, que estudia en Alas Peruanas. Los sábados nos dedicamos a los proyectos de Perro Muerto.

  

¿Tienen algún objetivo a mediano plazo?

JP: Conquistar el mundo (risas).

P: Que no nos vuelvan a estafar (risas).

JP: En realidad el objetivo sería vender afuera.

P: Seguir publicando. Aquí, afuera, donde se pueda. Yo sabía que iba a perder con este negocio pero al menos me divierto. Antes teníamos que pagar pato con las editoriales que, además de arruinarnos los sueños, nos quitaban plata.

¿A qué autores admiran?

JP: Me gustaba CLAMP pero el de antes. Desde RG Veda hasta X

P: Soy fan también de autores españoles y argentinos. Juan Giménez, Carlos Giménez, Alberto Breccia, Carlos Trillo y Carlos Meglia. En general, me gusta leer de todo un poco. Así sea un manga caca, igual lo leo. Con eso te das cuenta de qué va la moda, qué errores no cometer y todo eso.

JS: Así se aprende.

¿Creen que algo de estos trabajos está presente en sus publicaciones?

P: Los errores no… bueno, al menos lo intentamos. Sí creo que aprendemos las lecciones de aquí y de allá. Las influencias aparecen de una forma u otra. A veces de forma inconsciente, otras son eastereggs, osea añadidos que hacemos a propósito. En Khan necesito parodiar. Busco qué parodiar, sino no puedo hacer un Khan, así de simple.

¿El proceso creativo de cada uno es similar o muy distinto?

JS: Es distinto, el autor de GodDamned (Alonso) no hace guiones. Dibuja, luego va donde Jorge (nuestro guionista) y le dice “ponme los textos pe” (risas). Creo que la idea de los textos fue un gran avance para él.

P: Juan Pablo sí escribe los textos, luego nos los pasa, los borramos y los escribimos de nuevo. (risas). En mi caso, yo le paso todo a Jorge, con miedo de que me haga lo mismo que a Juan Pablo. En el caso de Khan se los leo a toda la gente y, si no se ríen, cambio todo.

 ¿Cuándo les parece que una historieta está bien realizada?

P: Si transmite la sensación que el autor quería transmitir.

JP: Yo no puedo leer mi misma historieta. No siento lo que siente la persona que lo lee.

P: Ya te lo spoileaste (risas).

JS: La primera vez que leí mi historieta les pregunté:“¿Por qué mierda me dejaron publicar eso?”.

P: Yo sí tengo memoria de perro, por eso leo mi historieta y puedo disfrutarla.

¿Qué creen que opina el público de lo que hacen? ¿Qué comentarios reciben?

JP: Nos dicen que está bonita.

P: Él odia que le digan eso.

JP: No me gusta eso. Tú ves comentarios de otras revistas, en Argentina o Chile y comentan distinto, cuándo sale la nueva publicación, etc.

JS: Tío, acá con suerte la gente lee un cómic.

¿Consideran que la movida de cómic está igual, mejor o peor que hace unos años? ¿Por qué?

JP: Peor.

JS: Mejor.

P: Podría ser peor. La época de Sugoi fue peor, la gente escribía peor y los fanáticos eran distintos, más extraños.  Yo creo que ahora hay cosas que empiezan a prometer más. Hay gente que empieza con mejores trabajos que antes (los 90s).

¿Qué opinan del movimiento en ferias? ¿Lo consideran el mejor vehículo de distribución para la ciudad de Lima?

P: El único. Ése es el problema. Sin ferias no habría Perro Muerto. O estaríamos trabajando para afuera, con suerte.

 ¿Qué autores de la escena local les parecen buenos?

P: Yo respeto mucho a la gente de la vieja escuela y de mi promo’ también. Acevedo, Dionisio Torres, Flores Del Águila. No conozco mucho a Osorio pero respeto toda la trayectoria que ha tenido. De Acevedo me gusta cuando hace las cosas menos comerciales, como lo que se publicó en Pobre Diablo. De mi generación, la gente de Calandria: Juan Carlos Rodriguez, Iván Visalot, Wilmer Fashé, Nilton Olivera, Álvaro Portales, Markus Descalzi, Andrés Edery. Gente que hacía cosas realmente quemadas. Hay ahí muchos nombres más que no recuerdo de momento.

De la mancha de ahora, respeto mucho las iniciativas, respeto más iniciativas que trabajos. Pero también hay sus joyas por ahí.

¿Qué está pendiente en la escena?

P: Uuuuuuuuuuf. El problema es que hay muchas cosas pendientes pero ya me di cuenta que son imposibles. Apoyo todo lo que puedo la movida del Gremio de Historietistas del Perú (GHP) pero muchas de las agrupaciones la hacen casi imposible. Igual están haciendo movidas. El problema es que los temas legales, del gobierno, pasan por el GHP y la gente no termina de tragarse eso. Espero que las nuevas generaciones entiendan eso y no hereden los pleitos de los viejos.

Ha quedado pendiente una conexión entre la generación anterior de historietistas, la nuestra y la que sigue. Si bien alguno que otro ha formado nuevos autores, los de ahora deberíamos tener a los anteriores más como referentes. Hubiésemos podido heredar su estilo, al punto de levantar un estilo peruano, pero al final no se dio. Es así que el estilo peruano de hoy es una mezcla ecléctica de todos los países.

Eso, curiosamente, es ahora uno de nuestros fuertes en la historieta en general. Somos una hoja en blanco. Eso nos da una libertad a la hora de empezar, sin una tradición que nos limite o la obligación de llenar unos zapatos que tal vez nos queden aún demasiado grandes.

Perro Muerto Producciones

facebook.com/perromuertoproducciones

perromuerto.org

paulorivas100@hotmail.com

La leyenda del Tunche, cómic de Juan Carlos Silva, en la película "La cara del Diablo"

La leyenda del Tunche, cómic escrito y dibujado por Juan Carlos Silva viene junto a la revista Zona Joven de abril en una edición a todo color. La obra se está publicitando como la precuela de la pelicula peruana La cara del diablo, que se ha estrenado recientemente en Perú.

Sinopsis. La selva de Tarapoto es un gran bosque que posee una mayor biodiversidad. Una selva que también guarda secretos, mitos y misterios como la leyenda del Tunche. Un nativo es encontrado moribundo y antes de morir le pide a Tusko que encuentre a su hija que ha desaparecido a causa del Tunche. Tras ir en su búsqueda se encuentra con nativos poseídos, con un maligno hechicero y con el diabólico Tunche. Tusko se enfrentará al mal, no descansará hasta encontrar a la hija y hará todo lo posible para que regrese la paz en toda la selva.

Recuerdo haber leído esa historia en la antología de comics trinacionales (Ecuador, Colombia y Perú) titulada Amazonía: el último bastión de la tierra, que se editó el año 2012, conmemorando el 14 Aniversario de los Acuerdos de Paz y el 182 Aniversario del establecimiento del Consulado General del Perú en Guayaquil. En esta versión se está agregando color y haciendo masivo un ejemplar de historieta nacional.

Felicidades a Juan Carlos Silva que, gracias a su paciencia y persistencia, está logrando mejorar su técnica historietística, así como ganarse un reconocimiento en la escena local. También destacar la asociación que vienen haciendo algunas productoras de cine peruano con proyectos de historieta, como lo que se hizo el año pasado con Cementerio General.

La historieta también se incluye en el combo de los cines.

Fuentes:

http://comicperu.wordpress.com

http://juancarlossilva.blogspot.com/

https://www.facebook.com/caradeldiablo

Fred Kida (1920 - 2014)

Fred Kida falleció el pasado miércoles 3 de abril, a la edad de 93, dejando a su esposa, Elly, dos hijos, Paul y Peter, dos nietos, Takashi y Lani, and dos tataranietos, Connor y Alexis. Se casó con su alma gemela, Elly Ahnert, el 5 de octubre de 1946.

La carrera artística de Fred se expandió durante 50 años, pasando desde un artista de fondos en 1941 hasta tener su propia firma en un sindicato de tiras cómicas en 1991, antes de retirarse. Profundamente religioso, también sirvió como un presbítero en una Congregación de los Testigos de Jehová en Port Chester.

Descendiente de Japoneses-Estadounidenses, nació el 12 de diciembre de 1920, en Brooklyn, y creció en Manhattan, Nueva York. Luego de terminar la secundaria en 1938, fue The American School of Design, junto a Bill Fraccio y Bob Fujitani, dos artistas con quienes se vincularía profesionalmente.

Cuando Will Eisner fue llevado a la armada estadounidense en 1941, Fred ingresó al mundo del cómic como entintador y fondista en el Estudio de Jerry Iger, antiguo Eisner & Iger, uno de los primeros lugares donde se subcontrataba para los editores de comics, haciendo así las tintas de fondo del sindicado The Spirit de Eisner.

Kida luego ascendió a la posición de personal en Iger client Quality Comics, donde dibujaba y entintaba su propio trabajo con firma, el personaje “Phantom Clipper” en Military Comics #9, fechado en abril de 1942. También produjo una historia de Hangman para MLJ Publications y, para Stan Lee en Timely, The Fighting Hobo.

Más adelante ese mismo año, comenzó una asociación de siete años con Hillman Comics, que le permitió introducir a su antiguo compañero de clases Fraccio al terreno como entintador del personaje “Iron Ace.” Su estadía ahí también le permitió colaboraciones fortuitas con Dan Barry en “The Boy King” que tendrían implicancias de largo plazo en su carrera.

Su trabajo en Hillman grabó su nombre en la historia del cómic, donde dio vida al héroe volador de Charles Biro, Airboy, y su antagonista de escasos ropajes y algunas vez también aliado, Valkyrie.

Otros personajes con los que trabajó en Hillman incluyeron Gunmaster, The Heap y The Challenger. Se encargó de Iron Ace desde su debut en noviembre de 1942 y realizó también memorables portadas.

Cerca del final de su estadía ahí, hizo equipo brevemente con el escritor Robert Bernstein, reemplazando a su antiguo compañero de clases en la sindicada tira cómica “Judge Wright” (entintada por George Roussos) desde diciembre de 1946 hasta el 10 de junio de 1947, continuando con el seudónimo de Bob Wells que había acompañado la tira desde el principio. El trabajo de Bernstein en la tira estaba firmado como Bob Brent, el mismo seudónimo que utilizó para la revista Boys Life de los Boy Scouts de Estados Unidos para crear dos tiras mensuales con Kida llamadas “Science Silhouettes” (que salió en noviembre de 1947) y “Eagle Trailer,” historias verdaderas de aventuras de boy scouts que comenzaron a salir en octubre de 1947. También trabajó en varias entregas del cómic promocional Buster Brown en 1947, junto a Dan Barry, John Belfi, Reed Crandall, John Giunta y otros profesionales experimentados.

Cuando las ventas de superhéroes comenzaron a bajar, Charles Biro, ahora director de arte de Lev Gleason Comics, lanzó Crime Does Not Pay y contrató al mejor artista que trabajó en Airboy, su antigua creación: Kida.

Para Biro, el artista realizó varias docenas de tiras de crímenes durante los sigientes cinco años, así como también de romance, y los personajes de “Desperado”, “Air Devils”, “Pee Wee and the Little Wise Guys” y “Uncle Charlie’s Fables.”

Kida también hizo algo de trabajo como freelance para Avon durante este período, incluyendo “Knight of the North” en 1948 y “Jesse James” en 1951, y comenzó a cultivar una relación con Stan Lee en Atlas (la que sería Marvel) mediantes sus títulos de western y de guerras.

Esto le permitió trabajos regulares durante todo 1959, demostrando su versatilidad en géneros tan amplios como de guerra (Men in Action, War Comics), crimen (Amazing Detective Cases), horror (Strange Tales, Astonishing Comics], western (Two-Gun Kid, Ringo Kid), romance, y títulos varios como Bible Tales for Young Folk, Tales of Young Folk, Waku Prince of the Bantu, The Black Night, Lorna the Jungle Girl y Willie the Wise-Guy. Otros trabajos de los 1950s incluyen aventura, crimen, western, misterio, horror y romance para Toby Press, Dell, Feature Comics, Charlton y and Harvey.

Su experiencia anterior con Dan Barry llevó a Barry repetidamente a pedirle ayuda a Kidapara cumplir con las presiones en el tiempo de entrega de su tira diaria de ciencia ficción, Flash Gordon en la segunda mitad de los 1950s. Esto llevó a Fred directamente a su siguiente carrera, haciendo tiras cómicas sindicadas todos los días para algunos de los nombres más importantes en el negocio. En 1960, Milt Caniff contrató a Kida, Alex Kotsky y Ray Bailey para ayudarlo a sacar adelante su tira de aviación “Steve Canyon” para tomar un viaje de un mes a Japón. En 1961, ayudó a George Wunder en otra creación de Caniff, “Terry and the Pirates”, hasta que Wunder pudo conseguir un asistente a tiempo completo, George Evans. Haciendo tiras como fantasma, Fred halló el tiempo para disfrutar de la pintura al oleo, creando hermosos paisajes y retratos, e incluso retornó a Boy’s Life para un trabajo ocasional.

Todo ese tiempo, Dan Barry pudo aprovechar el talento de Kida en “Flash Gordon” – dos meses en 1961-62 hasta que Barry se mudó temporalmente al extranjero, y a tiempo completo de 1965 a 1971. Kida regresó a Marvel en los 1970s, principalmente como entintador de los títulos Dr.  Doom and Sub-Mariner, Inhumans, Ka-Zar, Luke Cage, Man-Wolf, Iron Man, Master of Kung Fu, y The Defenders, antes de hacer sus propios lápices y tintas en 1979-80 para Captain America y What If…?

En 1981, Larry Lieber, saturado luego de la partida de John Romita Sr. el año anterior, estaba haciendo doble trabajo tanto en el sindicado Amazing Spider-Man y en la tira cómica de the Incredible Hulk y se necesitaba un reemplazo. Para este trabajo, el experimentado y veterano Kida lo reemplazó en Spider-Man. Fred se retiro de la tira y de la industria del cómic en 1991, a la edad de 70, para pasar el tiempo y disfrutar con su familia y amigos.

Traducido de:

http://www.tcj.com/fred-kida-1920-2014/

Esenciales 2013. ACDCómic (España)

Los Esenciales ACDCómic son una serie de lecturas escogidas entre todos los comics editados en España durante el año 2013. Realizada por los miembros de la Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic de España, se presenta como una guía de lectura, con unos breves apuntes sobre cada obra seleccionada y accesos directos a reseñas y comentarios realizados por los asociados para diferentes soportes y medios de comunicación.

La selección está dividida en tres apartados: Esenciales, donde se consideran las novedades editoriales estrictas, sin hacer distinciones entre nacionalidades o distintas escuelas; Esenciales Clásicos, que recoge obras que por su valor artístico o histórico forman parte del patrimonio cultural de la historieta y Esenciales Infantiles, con títulos especialmente dirigidos a niños de hasta 12 años aparecidos a lo largo de todo el año.

Esta selección tiene como objetivo llamar la atención sobre una serie de obras especialmente destacables y estimular la curiosidad por propuestas de estilos muy amplios. Se desea que la presente selección sea una herramienta y punto de partida para descubrir y comentar una serie de obras particularmente notables.

La lista de títulos puede verse aquí:

http://www.acdcomic.es/esenciales2013/

Nominados a los Premios Eisner 2014

Mejor historia corta

“Go Owls,” de Adrian Tomine, en Optic Nerve #13 (Drawn & Quarterly)

“Mars to Stay,” de Brett Lewis y Cliff Chiang, en Witching Hour (DC)

“Seaside Home,” de Josh Simmons, en Habit #1 (Oily)

“Untitled,” de Gilbert Hernandez, en Love and Rockets: New Stories #6 (Fantagraphics)

“When Your House Is Burning Down, You Should Brush Your Teeth,” de Matthew Inman, theoatmeal.com/comics/house

Mejor número único

Demeter, de Becky Cloonan (autopublicado)

Hawkeye #11: “Pizza Is My Business”, de Matt Fraction y David Aja (Marvel)

Love and Rockets: New Stories #6, de Gilbert Hernandez y Jaime Hernandez (Fantagraphics)

Viewotron #2, de Sam Sharpe (autopublicado)

Watson and Holmes #6, de Brandon Easton y N. Steven Harris (New Paradigm Studios)

Mejor serie

East of West, de Jonathan Hickman y Nick Dragotta (Image)

Hawkeye, de Matt Fraction y David Aja (Marvel)

Nowhere Men, de Eric Stephenson y Nate Bellegarde (Image)

Saga, de Brian K. Vaughan y Fiona Staples (Image)

Sex Criminals, de Matt Fraction y Chip Zdarsky (Image)

Mejor serie limitada

The Black Beetle: No Way Out, de Francesco Francavilla (Dark Horse)

Colder, de Paul Tobin y Juan Ferreyra (Dark Horse)

47 Ronin, de Mike Richardson y Stan Sakai (Dark Horse)

Trillium, de Jeff Lemire (Vertigo/DC)

The Wake, de Scott Snyder y Sean Murphy (Vertigo/DC)

Mejor nueva serie

High Crimes, de Christopher Sebela e Ibrahim Moustafa (Monkeybrain)

Lazarus, de Greg Rucka y Michael Lark (Image)

Rat Queens, de Kurtis J. Wiebe y Roc Upchurch (Image/Shadowline)

Sex Criminals, de Matt Fraction y Chip Zdarsky (Image)

Watson and Holmes, de Karl Bollers, Rick Leonardi, Paul Mendoza y otros (New Paradigm Studios)

Mejor publicación infantil (hasta 7 años)

Benjamin Bear in Bright Ideas, de Philippe Coudray (TOON Books)

The Big Wet Balloon, de Liniers (TOON Books)

Itty Bitty Hellboy, de Art Baltazar y Franco (Dark Horse)

Odd Duck, de Cecil Castellucci y Sara Varon (First Second)

Otto’s Backwards Day, de Frank Cammuso (con Jay Lynch) (TOON Books)

Mejor publicación juvenil (entre 8 y 12 años)

The Adventures of Superhero Girl, de Faith Erin Hicks (Dark Horse)

Hilda and the Bird Parade, de Luke Pearson (Nobrow)

Jane, the Fox, and Me, de Fanny Britt e Isabelle Arsenault (Groundwood)

The Lost Boy, de Greg Ruth (Graphix/Scholastic)

Mouse Guard: Legends of the Guard, vol. 2, editado por David Petersen, Paul Morrissey y Rebecca Taylor (Archaia/BOOM!)

Star Wars: Jedi Academy, de Jeffrey Brown (Scholastic)

Mejor publicación para adolescentes (entre 13 y 17 años)

Battling Boy, de Paul Pope (First Second)

Bluffton: My Summers with Buster, de Matt Phelan (Candlewick)

Boxers and Saints, de Gene Luen Yang (First Second)

Dogs of War, de Sheila Keenan y Nathan Fox (Graphix/Scholastic)

March (Book One), de John Lewis, Andrew Aydin y Nate Powell (Top Shelf)

Templar, de Jordan Mechner, LeUyen Pham y Alex Puviland (First Second)

Mejor publicación de humor

The Adventures of Superhero Girl, de Faith Erin Hicks (Dark Horse)

The Complete Don Quixote, de Miguel de Cervantes y Rob Davis (SelfMadeHero)

The (True!) History of Art, de Sylvain Coissard y Alexis Lemoine (SelfMadeHero)

Vader’s Little Princess, de Jeffrey Brown (Chronicle)

You’re All Just Jealous of My Jetpack, de Tom Gauld (Drawn & Quarterly)

Mejor cómic digital

As the Crow Flies, de Melanie Gillman, www.melaniegillman.com

Failing Sky, de Dax Tran-Caffee, failingsky.com

High Crimes, de Christopher Sebela and Ibrahim Moustafa (Monkeybrain),www.monkeybraincomics.com/titles/high-crimes/

The Last Mechanical Monster, de Brian Fies, lastmechanicalmonster.blogspot.com

The Oatmeal de Matthew Inman, theoatmeal.com

Mejor antología

Dark Horse Presents, editado por Mike Richardson (Dark Horse)

Nobrow #8: Hysteria, editado por Sam Arthur y Alex Spiro (Nobrow)

Outlaw Territory, editado por Michael Woods (Image)

Smoke Signal, editado por Gabe Fowler (Desert Island)

Thrilling Adventure Hour, de Ben Acker, Ben Blacker y otros (Archaia/BOOM!)

Mejor trabajo basado en la realidad

A Bag of Marbles, de Joseph Joffo, Kris y Vincent Bailly (Graphic Universe/Lerner)

The Fifth Beatle: The Brian Epstein Story, de Vivek J. Tiwary, Andrew C. Robinson y Kyle Baker (M Press/Dark Horse)

Hip Hop Family Tree, vol. 1, de Ed Piskor (Fantagraphics)

March (Book One), de John Lewis, Andrew Aydin y Nate Powell (Top Shelf)

Today Is the Last Day of the Rest of Your Life, de Ulli Lust (Fantagraphics)

Woman Rebel: The Margaret Sanger Story, de Peter Bagge (Drawn & Quarterly)

Mejor álbum gráfico (nueva)

Bluffton: My Summers with Buster, de Matt Phelan (Candlewick)

The Encyclopedia of Early Earth, de Isabel Greenberg (Little, Brown)

Good Dog, de Graham Chaffee (Fantagraphics)

Homesick de Jason Walz (Tinto Press)

The Property, de Rutu Modan (Drawn & Quarterly)

War Brothers, de Sharon McKay y Daniel LaFrance (Annick Press)

Mejor adaptación de otro medio

The Castle, by Franz Kafka, adaptado por David Zane Mairowitz y Jaromír 99 (SelfMadeHero)

The Complete Don Quixote, de Miguel de Cervantes, adaptado por Rob Davis (SelfMadeHero)

Django Unchained, adaptado por Quentin Tarantino, Reginald Hudlin, R. M. Guéra y otros (DC/Vertigo)

Richard Stark’s Parker: Slayground, de Donald Westlake, adaptado por Darwyn Cooke (IDW)

The Strange Tale of Panorama Island, de Edogawa Rampo, adaptado por Suehiro Maruo (Last Gasp)

Mejor álbum gráfico (reedición)

The Creep, de John Arcudi y Jonathan Case (Dark Horse)

Hand-Drying in America and Other Stories, de Ben Katchor (Pantheon)

Heck, de Zander Cannon (Top Shelf)

Julio’s Day, de Gilbert Hernandez (Fantagraphics)

RASL, de Jeff Smith (Cartoon Books)

Solo: The Deluxe Edition, editado por Mark Chiarello (DC)

Mejor proyecto de reedición de tiras de prensa

Barnaby, vol. 1, de Crockett Johnson, editado por Philip Nel y Eric Reynolds (Fantagraphics)

Percy Crosby’s Skippy Daily Comics, vol. 2: 1928–1930, editado por Jared Gardner y Dean Mullaney (LOAC/IDW)

Prince Valiant vols. 6-7, de Hal Foster, editado por Kim Thompson (Fantagraphics)

Society Is Nix: Gleeful Anarchy at the Dawn of the American Comic Strip, editado por Peter Maresca (Sunday Press)

Tarzan: The Complete Russ Manning Newspaper Strips, vol. 1, editado por Dean Mullaney (LOAC/IDW)

VIP: The Mad World of Virgil Partch, editado por Jonathan Barli (Fantagraphics)

Mejor proyecto de reedición de comic book

Best of EC Artist’s Edition, editado por Scott Dunbier (IDW)

Canteen Kate, de Matt Baker (Canton Street Press)

In the Days of the Mob, de Jack Kirby (DC)

MAD Artist’s Edition, editado por Scott Dunbier (IDW)

Will Eisner’s The Spirit Artist’s Edition, editado por Scott Dunbier (IDW)

Mejor edición estadounidense de material extranjero

Adventures of a Japanese Businessman, de Jose Domingo (Nobrow)

Goddam This War! de Jacques Tardi y Jean-Pierre Verney (Fantagraphics)

Incidents in the Night, Book One, de David B. (Uncivilized Books)

Today Is the Last Day of the Rest of Your Life, de Ulli Lust (Fantagraphics)

When David Lost His Voice, de Judith Vanistendael (SelfMadeHero)

Mejor edición estadounidense de material extranjero (Asia)

The Heart of Thomas, de Moto Hagio (Fantagraphics)

The Mysterious Underground Men, de Osamu Tezuka (PictureBox)

Showa: A History of Japan, 1926–1939, de Shigeru Mizuki (Drawn & Quarterly)

Summit of the Gods, vol. 4, de Yemmakura Baku y Jiro Taniguchi (Fanfare/Ponent Mon)

Utsubora: The Story of a Novelist, de Asumiko Nakamura (Vertical)

Mejor guionista

Kelly Sue DeConnick, Pretty Deadly (Image); Captain Marvel (Marvel)

Matt Fraction, Sex Criminals (Image); Hawkeye, Fantastic Four, FF (Marvel)

Jonathan Hickman, East of West, The Manhattan Projects (Image); Avengers, Infinity (Marvel)

Scott Snyder, Batman (DC); American Vampire, The Wake (DC/Vertigo)

Eric Stephenson, Nowhere Men (Image)

Brian K. Vaughan, Saga (Image)

Mejor autor completo

sabel Greenberg, The Encyclopedia of Early Earth (Little, Brown)

Jaime Hernandez, Love and Rockets New Stories #6 (Fantagraphics)

Terry Moore, Rachel Rising (Abstract Studio)

Luke Pearson, Hilda and the Bird Parade (Nobrow)

Matt Phelan, Bluffton: My Summers with Buster (Candlewick)

Judith Vanistendael, When David Lost His Voice (SelfMadeHero)

Mejor dibujante/entintador

Nate Bellegarde, Nowhere Men (Image)

Nick Dragotta, East of West (Image)

Sean Murphy, The Wake (DC/Vertigo)

Nate Powell, March (Book One) (Top Shelf)

Emma Ríos, Pretty Deadly (Image)

Thomas Yeates, Law of the Desert Born: A Graphic Novel (Bantam)

Mejor artista plástico/multimedia

Andrew C. Robinson, The Fifth Beatle (Dark Horse)

Sonia Sanchéz, Here I Am (Capstone)

Fiona Staples, Saga (Image)

Ive Svorcina, Thor (Marvel)

Marguerite Van Cook, 7 Miles a Second (Fantagraphics)

Judith Vanistendael, When David Lost His Voice (SelfMadeHero)

Mejor portadista

David Aja, Hawkeye (Marvel)

Mike Del Mundo, X-Men Legacy (Marvel)

Sean Murphy/Jordie Belaire, The Wake (DC/Vertigo)

Emma Ríos, Pretty Deadly (Image)

Chris Samnee, Daredevil (Marvel)

Fiona Staples, Saga (Image)

Mejor colorista

Jordie Bellaire, The Manhattan Projects, Nowhere Men, Pretty Deadly, Zero (Image); The Massive (Dark Horse); Tom Strong (DC); X-Files Season 10 (IDW); Captain Marvel, Journey into Mystery (Marvel); Numbercruncher (Titan); Quantum and Woody (Valiant)

Steve Hamaker, Mylo Xyloto (Bongo), Strangers in Paradise 20th Anniversary Issue 1 (Abstract Studio), RASL (Cartoon Books)

Matt Hollingsworth, Hawkeye, Daredevil: End of Days (Marvel); The Wake (DC/Vertigo)

Frank Martin, East of West (Image)

Dave Stewart, Abe Sapien, Baltimore: The Infernal Train, BPRD: Hell on Earth, Conan the Barbarian, Hellboy: Hell on Earth, The Massive, The Shaolin Cowboy, Sledgehammer 44 (Dark Horse)

Mejor rotulista

Darwyn Cooke, Richard Stark’s Parker: Slayground (IDW)

Carla Speed McNeil, Bad Houses; “Finder” in Dark Horse Presents (Dark Horse)

Terry Moore, Rachel Rising (Abstract Studio)

Ed Piskor, Hip Hop Family Tree (Fantagraphics)

Britt Wilson, Adventure Time with Fiona and Cake (kaBOOM!)

Mejor publicación periodística sobre cómics

Comic Book Resources, produced by Jonah Weiland

The Comics Journal #302, editado por Gary Groth y Kristy Valenti (Fantagraphics)

Comics and Cola, de Zainab Akhtar

Multiversity Comics, editado por Matthew Meylikhov

tcj.com, editado por Dan Nadel y Timothy Hodler (Fantagraphics)

Mejor libro sobre cómic

Al Capp: A Life to the Contrary, de Michael Schumacher y Denis Kitchen (Bloomsbury)

The Art of Rube Goldberg, selección de Jennifer George (Abrams ComicArts)

Co-Mix: A Retrospective of Comics, Graphics, and Scraps, de Art Spiegelman (Drawn & Quarterly)

Genius, Illustrated: The Life and Art of Alex Toth, de Dean Mullaney y Bruce Canwell (LOAC/IDW)

The Love and Rockets Companion, editado por Marc Sobel y Kristy Valenti (Fantagraphics)

Mejor trabajo didáctico/académico

Anti-Foreign Imagery in American Pulps and Comic Books, 1920–1960, de Nathan Vernon Madison (McFarland)

Black Comics: Politics of Race and Representation, editado por Sheena C. Howard y Ronald L. Jackson II (Bloomsbury)

Drawing from Life: Memory and Subjectivity in Comic Art, editado porJane Tolmie (University Press of Mississippi)

International Journal of Comic Art, editado por John A. Lent

The Superhero Reader, editado por Charles Hatfield, Jeet Heer y Kent Worcester (University Press of Mississippi)

Mejor diseño

The Art of Rube Goldberg, diseñado por Chad W. Beckerman (Abrams ComicArts)

Beta Testing the Apocalypse, diseñado por Tom Kaczynski (Fantagraphics)

Genius, Illustrated: The Life and Art of Alex Toth, diseñado por Dean Mullaney (LOAC/IDW)

The Great War: July 1, 1916: The First Day of the Battle of the Somme: A Panorama, de Joe Sacco, diseñado por Chin-Yee Lai (Norton)

Little Tommy Lost, Book 1, diseñado por Cole Closser (Koyama)

Tomado de:

http://www.entrecomics.com/?p=98445