Tom Moore (Texas, 1928 - 2015)

El famoso dibujante Tom Moore nacido en El Paso Texas falleció en la mañana del lunes 24 de agosto, a los 86 años. Moore recreó las aventuras del personaje Archie Andrews y sus amigos desde 1953 hasta su retiro a finales de los 80s.

"Es una leyenda en El Paso y en todo Estados Unidos" dijo Brad Wilson, propietario de All Star Comics & Games. "Mucha gente no se da cuenta cuánto influyó en el arte del cómic." Wilson manifestó que Moore visitaba periódicamente All Star, buscando ejemplares antiguos de Archie. "Todavía compraba comics y era yun tipo agradable, divertido."

Moore, graduado del secundaria de Austin, comenzó como caricaturista sirviendo a la armada estadounidense durante la guerra contra Korea. Dibujaba caricaturas de su capitán por diversión, hasta que lo llamaron de la oficina. Esperaba haberse metido en problemas pero fue reasignado al personal de caricaturas. Creó  la popular tira Chick Call, que se difundió entre las publicaciones de servicios militares. "Pensé, 'Realmente puedo hacer esto para vivir,'" declaró a El Paso Times en 1996.

Luego de dejar la Armada, Moore estudió en la Cartoonist and Illustrator School de Nueva York con la ayuda de la pensión que recibía como militar, teniendo como profesor a Burne Hogarth, autor de las tiras de Tarzán.

Un año después, Moore firmó para Archie Comics. Bob Montana creó Archie en 1941, y Moore se encargó del personaje desde 1953. "Hacía un cómic por mes", declaró en 1996. "Hacía todo. Trabajábamos con seis meses de adelanto. Los ejemplares de Navidad en junio y las historias en la playa durante la época de nieve." Las ventas anuales del cómic normalmente superaban el medio millón de ejemplares durante la década de los 60s.

"Es importante crear personajes que se puedan adaptar a cualquier cosa, pero cuyas personalidades sean consistentes" declaró en el 2008. "Establece eso y no te desvíes. Betty no actúa como Verónica y Charlie Brown no actúa como Lucy."

En 1961, Moore se mudó con su familia de regreso de Long Island a El Paso, tomando luego un descanso de los comics para un "trabajo de verdad" en relaciones públicas, declaró a Times. "Siempre sintió que su corazón pertenecía a los pies de las Montañas Franklin", según su hijo Lito Bujanda-Moore.

En las próximas semanas se celebrará un homenaje a su padre. Moore conoció a su esposa Ruth, de 63 años, en El Paso. Criaron dos niños, Bujanda-Moore y Holly Mathew. "Fue un padre muy amoroso. Adoraba a mi madre," dijo Bujanda-Moore.

Su padre se llamaba a sí mismo un "humorista profesional". Moore regresó a la ilustración en 1970, dibujando Snuffy Smith, Underdog y Mighty Mouse.

Cerca de diez años después, Archie Comics invitó a Moore de regreso para ayudar a dibujar al amigo de Archie, Jughead. Moore continuó con la empresa hasta su retiro a finales de los 80s.

"Tom era muy gracioso y tenía una habilidad especial para encontrar situaciones hilarantes y páginas especiales cuando trabajaba con Archie," declaró el Editor de Archie Victor Gorelick, quien ha trabajado en la compañía por más de 50 años. "Probablemente sea más conocido aquí por los entintados que hacía de nuestro relanzamiento de Jughead hace unas décadas. Todos estamos apenados por la noticia y le deseamos a su familia lo mejor durante estos momentos. Fue un dibujante de dibujantes"

Moore estuvo pendiente de Archie, incluso después de retirarse. No estuvo de acuerdo con la decisión de matar al personaje, el año pasado. "A través de los años, los personajes de cómic han estado muriendo como si fuera Vietnam," confesó a El Paso Times en una nota sobre la muerte del personaje.

Luego de su retiro, Moore enseñó arte comercial en El Paso Community College. "Eso era muy importante, muy especial para él," dijo Bujanda-Moore. "Tenía un lazo muy fuerte con sus estudiantes."

En 1996 El Paso Museum of Art realizó una exhibición con algunos trabajos de Moore y su vasta colección.

"He disfrutado lo que he hecho y me siento agradecido de que a otros también les guste" dijo Moore alguna vez. "Me parece increíble que mis cosas se estén exhibiendo en un museo. ¿Quién se imaginaría que Archie tuviese esa llegada universal?"

Traducido de:

http://www.elpasotimes.com/news/ci_28512107/el-paso-artist-archie-cartoonist-tom-moore-dies

"Extraño" el superhéroe peruano de DC Comics

DC Comics, la famosa editorial estadounidense dedicada a la realización y venta de cómics,  creó un superhéroe gay que era peruano. Se trataba de Extraño, un mago peruano que fue reclutado por los Guardianes del Universo para que formara parte de un grupo de superhumanos de diferentes nacionalidades que tuvieron un papel importante en la serie Millenium.

Extraño en realidad se llamaba Gregorio Vega y provenía de la ciudad de Trujillo. Su primera aparición fue en el Milenio n º 2 (enero de 1988), y fue creado por Steve Englehart y Joe Staton. Este superhéroe peruano tenía la particularidad de ser alocado y jovial, y prefería  que lo llamen Auntie (la tía).   

Este primer superhéroe abiertamente gay, vestía prendas holgadas y de colores llamativos. Sus principales habilidades era hacer trucos de magia para burlar a sus enemigos, lanzar ráfagas de energía de sus manos y levitar. Además, tenía un sentido serio de la justicia y amor a la vida, lo que lo hizo popular entre sus compañeros de equipo.

Tras ser criticado por los lectores del cómic, DC hizo que Extraño use un cráneo de cristal que amplificaba sus poderes, haciéndolo más masculino. Asimismo, empezó a utilizar un traje que lo asemejaba más a un verdadero superhéroe.

Tras el fin de la serie tuvo esporádicas apariciones en el Universo DC. También ha sido objeto de una serie de desgracias. Fue infectado con el virus del VIH y murió luego de que su isla fuera atacada por el ultravillano Krona.

Tomado de:

http://www.rpp.com.pe/superheroe-dc-comics-noticia_772692.html

La industria de la historieta en España (Informe Tebeósfera 2014)

INFORME_TEBEOSFERA_2014

Editoriales en Francia y España: Estadísticas 2014

Hace un par de semanas compartí el estudio sobre el movimiento editorial del cómic francés, documento elaborado por la Asociación de Críticos del Cómic Francés. En el sitio Entrecomics, el periodista y escritor Jordi Canyisaà analiza con mayor detalle el estudio, que evidencia un mayor número de títulos publicados con respecto a 2013, concentrados en las 3 principales casas editoriales: Ediciones Delcourt, Média Participations y Glénat. Pueden ver la nota con más detalle aquí:

http://www.entrecomics.com/?p=103498

Por otro lado, el investigador español Marc Bernabé, ha publicado su análisis sobre el movimiento editorial del manga en España, destacando la presencia de las grandes editoriales Panini, Norma, Planeta, Ivrea y el ingreso de ECC con fuerza al mercado español.

Pueden ver su recuento en el siguiente link:

http://www.mangaland.es/2015/01/estadisticas2014/

Y sobre la movida del cómic español el 2014, pueden leer la recopilación hecha por José Serrano para la Guía del cómic:

http://www.guiadelcomic.es/editoriales/2014/2014-cifras.htm

Resumen Anual (2014) de la Asociación de Críticos del Cómic Francés

Resumen Anual (2014) de la Asociación de Críticos del Cómic Francés

Jornada - Homenaje al Cómic Valenciano (España)

Jornada-Homenaje al Cómic Valenciano organizado por la Biblioteca Valenciana Nicolau Primitiu, en colaboración con la Asociación Valenciana del Cómic (ASOVALCOM) en el Monasterio de San Miguel de los Reyes, el sábado 2 de marzo de 2013. En el debate participaron los reputados autores de cómic Paco Roca, Jordi Bayarri y Salvador Larroca, moderados por Ricardo Engra (ASOVALCOM). Fue seguido por la inauguración de la exposición Un siglo de tebeos. Retrospectiva de la historieta en la Comunitat Valenciana (1913-2013) a cargo de la Consellera de Educación, Cultura y Deporte.

Esenciales 2013. ACDCómic (España)

Los Esenciales ACDCómic son una serie de lecturas escogidas entre todos los comics editados en España durante el año 2013. Realizada por los miembros de la Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic de España, se presenta como una guía de lectura, con unos breves apuntes sobre cada obra seleccionada y accesos directos a reseñas y comentarios realizados por los asociados para diferentes soportes y medios de comunicación.

La selección está dividida en tres apartados: Esenciales, donde se consideran las novedades editoriales estrictas, sin hacer distinciones entre nacionalidades o distintas escuelas; Esenciales Clásicos, que recoge obras que por su valor artístico o histórico forman parte del patrimonio cultural de la historieta y Esenciales Infantiles, con títulos especialmente dirigidos a niños de hasta 12 años aparecidos a lo largo de todo el año.

Esta selección tiene como objetivo llamar la atención sobre una serie de obras especialmente destacables y estimular la curiosidad por propuestas de estilos muy amplios. Se desea que la presente selección sea una herramienta y punto de partida para descubrir y comentar una serie de obras particularmente notables.

La lista de títulos puede verse aquí:

http://www.acdcomic.es/esenciales2013/

La industria del cómic en España durante el 2013 (informe de la Asociación Cultural Tebeósfera)

Ya está disponible en Internet el informe 2013 de la Asociación Cultural Tebeósfera, sobre el movimiento de comics en España. Puede descargarse de la siguiente dirección: http://tebeosfera.com/anexos/INFORME_TEBEOSFERA_2013.pdf

Se observan las siguientes conclusiones:

En España se ha llegado a un punto en el que la industria del cómic se ha estabilizado por debajo de los 2.500 títulos anuales. En 2013 han sido 2.453, de los cuales el total de tebeos producidos en España y con obra de autores españoles no llegó al 20%. A lo largo del año pasado fueron traducidos casi el doble de tebeos del inglés (39,01%) que del japonés o del coreano (15,23%, sumando la obra proveniente de ambos países asiáticos), y el total de traducciones de lenguas de Europa no sobrepasó el 13%. Por lo que se refiere a las lenguas autóctonas, los cómics en catalán fueron menos que hace dos años, y los editados en gallego aumentaron poco: solamente el 4,38% de los tebeos aparecieron en un idioma distinto del castellano, que ha sido la lengua mayoritariamente usada en los tebeos españoles

La periodicidad mensual se ha reducido, así como las colecciones numeradas, mientras que los lanzamientos únicos con formato de libro copan el interés de los profesionales y de la afición (se editan 634 cuadernos en la actualidad, menos de la mitad que libros, que son 1.779).

Se ha incrementado la participación española entre los jóvenes sellos editores, con casi quinientos tebeos de obra patria, a los que hay que sumar el centenar largo de obras de autores españoles que han sido recuperadas desde ediciones extranjeras.

El tebeo infantil mantuvo buena salud el año pasado, pese a que en su mayor parte se sustenta en el mercado del reciclaje. La aventura siguió reinando como temática preferida por los lectores españoles, pero el drama ganó posiciones con respecto a años anteriores, mientras que la sátira no se ha incrementado tanto como se esperaba pese al clima de descontento reinante en la sociedad española frente a los representantes políticos.

Los meses de abril, octubre y noviembre siguieron siendo los de mayor producción dentro del año, en referencia a la concentración de público y negocio en los grandes festivales nacionales. Los meses con menor número de novedades fueron febrero y agosto, como viene siendo habitual. Como apunte curioso, el número de traducciones fue mínimo en diciembre, acaso porque los editores prefiere afrontar la campaña navideña con obras sólidas en primera edición antes que con traducciones.

Los grupos editores más poderosos han basado gran parte de su labor editorial en la traducción de cómics norteamericanos (Panini, ECC), europeos (Norma) o japoneses (Ivrea), aunque los dos primeros también traducen cómics asiáticos o europeos. Esto mismo se observa en otros sellos, que han bajado en su producción con respecto a otros años, como Planeta-DeAgostini, La Cúpula o Editores de Tebeos.

El Jueves es la empresa que más obra de españoles publicó (seguida por la Fundació Cavall Fort), y la gran participación española en otros sellos, como Salvat o B, se debió a que abundaron las reediciones o las recopilaciones en su catálogo. Sellos de volumen medio para el mercado español como Astiberri, Dibbuks, Diábolo o Dolmen, siguieron desarrollando una gran labor de promoción de los autores españoles. Sellos tradicionalmente activos como La Cúpula, De Ponent o Sinsentido disminuyeron su producción en 2013. Otros pequeños sellos, como Amaníaco, Cornoque, El Patito o Ikastolen Elkartea, insistieron en una edición humorística y a veces localista pero de gran frescura, y siempre con la mirada puesta en el autor patrio. Es importante citar también la apuesta de algunos editores jóvenes que están haciendo una meritoria labor de difusión de "manga a la española", como Babylon o Nowevolution.

Resulta destacable la abundancia de editores minoritarios que publican obras de autores españoles en un régimen de edición para un público objetivo concreto y reducido, con escasos tirajes pero gran libertad creativa, y que son los que actualmente renuevan el panorama historietístico español. Entre ellos pueden citarse: Agalip, Apa-Apa, ¡Caramba!, Entrecomics, Fandogamia, Ikastolen Elkartea, Ultrarradio, Underbrain o Vitruvio.

Corto animado por el 75 aniversario de Superman

Kim Thompson (1956 - 2013)

El pasado 19 de junio falleció Kim Thompson, coeditor de Fantagraphics. Un cáncer de pulmón fulminante acababa con la vida de una de las personas clave de la historia del cómic americano y mundial, sin la que no sería posible entender la evolución de este arte en los últimos 30 años y su estado actual.

Hijo de madre danesa y padre americano, tuvo una infancia y juventud nómada que le llevó desde Dinamarca a Holanda, Alemania o incluso la isla Martinica, donde con cuatro años descubrió Tintin en el Congo y la pasión por la historieta. Una vida de continuo tránsito que le permitió no solo dominar varias lenguas, sino poder tener una perspectiva amplia tanto del cómic europeo como del americano, demostrando pronto que su interés por el medio iba más allá de su simple afición lectora: no era difícil encontrar en los primeros setenta sus extensas cartas tanto en revistas europeas como Spirou como en los correos de lectores de series de superhéroes.

A los 21 años se instalaría en EE UU, donde decidió que el cómic sería su futuro tras conocer a Gary Groth y pasar a formar parte de la redacción de la entonces casi recién creada The comics journal, una revista sobre cómics que se apartaba completamente del modelo de publicación de fans del género para intentar una aproximación seria y adulta a la historieta que marcaría un antes y un después de la industria americana. Tras invertir sus ahorros para salvar la delicada situación de la revista, Thompson pasó a ser el copropietario de la empresa con Groth, iniciando una aventura conjunta que les llevaría en breve a editar aquellos cómics de los que hablaban las críticas de su revista. Una apuesta arriesgada en ese momento, que se alejaba del estándar imperante del género superheroico para defender un cómic de autor más próximo al que se practicaba en el underground o en Europa, pero dentro del circuito comercial editorial. Obras como Love & Rockets de los hermanos Hernández definirían un nuevo acercamiento a la historieta, alternativo al establecido por Marvel o DC y que sentaría la base de todo un movimiento editorial independiente.

Thompson siguió compaginando durante los ochenta sus labores de editor y crítico, defendiendo tanto la historieta clásica (a través de ediciones de series de prensa) como la vanguardia más atrevida y la necesidad de introducir el cómic europeo en los EE UU. Junto a Groth demostró, además, tener suficiente sentido común como editor para saber que esa defensa de valores requería en el competitivo mercado del cómic americano de una estabilidad económica cada vez más cara.

En los noventa crearían la colección Eros Comix, una línea de tebeo erótico de calidad que, además de dar obras muy interesantes, ofrecería rendimientos económicos que permitieron a la editorial apostar por nuevos autores cuyos nombres serían después de culto: Chris Ware, Daniel Clowes, Peter Bagge, Charles Burns, Roberta Gregory, Jim Woodring, Joe Sacco o Stan Sakai, entre otros muchos, comenzarían a publicar de forma regular gracias a Fantagraphics junto a clásicos de prensa como El príncipe Valiente y, por supuesto, el ya referente absoluto de la crítica de cómics, The comics journal. En paralelo, la pasión de Thompson por el cómic europeo se plasmaría en la edición de autores tan reconocidos como Jacques Tardi, Joost Swarte, Max, Lewis Trondheim, David B. o Igort (a los que también traduciría), con el que coeditaría la colección Ignatz.

Su visión tan abierta como entusiasta del tebeo fue clave para luchar por una nueva mirada al cómic en EE UU, que reconociera no solo la calidad de la historieta popular producida durante décadas, sino su potencial como un arte sin límites que podía llegar a un público adulto con la misma capacidad de desafío intelectual que cualquier otra forma cultural. La coherencia entre sus brillantes aportaciones como crítico y su arriesgada labor como editor allanó el camino para una nueva consideración por el noveno arte basada en el respeto al autor, ya fuera en una colección en grapa, en novelas gráficas o en lujosas reediciones de material clásico.

Su nombre merece ser recordado como uno de los grandes responsables de que hoy ya no se pueda dudar del cómic como un arte de potencial incalculable.


Tomado de:
http://cultura.elpais.com/cultura/2013/06/24/actualidad/1372105372_165913.html

Premio Internacional FNAC - SINS ENTIDO de Novela Gráfica

BASES de la CONVOCATORIA 

1. Podrán optar al Premio todos los autores que lo deseen, de cualquier nacionalidad o procedencia, mayores de 18 años, siempre que las obras que presenten se ajusten al concepto comúnmente aceptado de novela gráfica y cumplan los siguientes requisitos:
• Estén escritas exclusivamente en castellano.
• Sean originales y rigurosamente inéditas (no publicadas en formato libro, libro electrónico, Internet, ni seriado en revistas).
• No correspondan a autores fallecidos con anterioridad al anuncio de esta convocatoria.
 • No hayan sido premiadas anteriormente en ningún otro concurso, o estén pendientes de fallo en cualquier otro certamen en la fecha en que finalice el plazo de presentación. Las obras presentadas que no reúnan los requisitos anteriores no serán admitidas a concurso.

2. Obra. La modalidad a presentar a concurso es el cómic, en su formato novela gráfica. Cada autor debe enviar una propuesta de libro con un mínimo de dieciséis (16) páginas acabadas por una sola cara; cuya extensión final, para quien resulte ganador, será de un mínimo de noventa y seis (96) páginas. Podrá ser presentado en blanco y negro o color, adjuntando un dossier que contenga las dieciséis (16) páginas acabadas, con su correspondiente título, en copias impresas en formato DIN-A4, más una sinopsis detallada (de dos (2) páginas a una sola cara como mínimo) con el contenido de la historia completa. Dichas copias (no se admitirá obra original), irán acompañadas de los datos del autor o autores: nombre, apellidos, dirección, teléfono, correo electrónico y fotocopia del DNI., pasaporte o cualquier otro documento de identificación legalmente aceptado. Una vez adjudicado el Premio, las obras no premiadas no se devolverán. Al no ser originales, se destruirán una vez terminado el proceso.

3. Envíos. Los trabajos se enviarán o entregarán, indicando en el sobre “VI Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins Entido”, en la siguiente dirección postal: Ediciones Sins Entido / calle Barquillo 11, 2º oficina 2, 28004 Madrid / premio@sinsentido.es No se aceptarán proyectos enviados por correo electrónico ni en suportes diferentes al papel impreso (quedan excluidos, por tanto, envíos en CD, DVD, pen drives, o similares).

4. Plazos El plazo de admisión de propuestas quedará cerrado el viernes 29 de noviembre de 2013. El jurado se reunirá a finales de 2013 y el fallo se comunicará en enero de 2014. El autor que resulte ganador se comprometerá a entregar el proyecto terminado en la última semana de junio de 2014. La obra ganadora se publicará a finales de 2014.

5. Composición del Jurado El jurado estará integrado por profesionales de la cultura y será nombrado a tal efecto por las entidades promotoras, las cuales se reservan la posibilidad de que un comité lector seleccione entre los originales presentados cuantos finalistas estime oportunos.

6. Premio y fallo del Jurado Fnac entregará un premio único e indivisible de 10.000 (diez mil) euros (que se abonará en dos pagos: el 50% del importe tras la comunicación del fallo; y el 50% restante en el momento de su publicación). La obra ganadora será publicada por Ediciones Sins Entido, que será responsable de la producción y edición, y el ganador firmará contrato con esta editorial por una duración de 10 años prorrogables y con un porcentaje de derechos del 8%. La concesión del premio supone que Ediciones Sins entido gestionará en exclusiva todos los derechos de explotación de la obra, en todos los países y para todas las lenguas, así como todos los derechos de edición en todos los soportes. Al mismo tiempo, Fnac se reserva el derecho de organizar con los originales de la obra ganadora una exposición que podría exhibir en sus galerías, tanto en España como en otros países. El importe del premio estará sujeto a la legislación que en materia de retenciones señale la normativa fiscal. El fallo del jurado será inapelable, el premio no podrá ser declarado desierto ni distribuirse entre dos o más obras y se otorgará a aquella obra de entre las presentadas que por unanimidad o en su defecto, por mayoría de votos del jurado, se considere merecedora de ser galardonada.

7. Distribución y Presentación pública La obra premiada será distribuida por Sins Entido, y Fnac garantizará la especial implantación y comunicación de la misma en todos sus espacios comerciales. La presentación pública del premio se realizará en uno de los Forum de Fnac, el que la organización estime más oportuno. El hecho de tomar parte en el concurso implica la plena aceptación de estas bases.

Para más información: premio@sinsentido.es

Tomado de: http://www.sinsentido.es/noticias/editorial/221/

Carmine Infantino (Nueva York, 1925 - 2013)

De acuerdo al sitio Los Eternautas, Infantino comenzó su vida en los comics allá en los cuarenta. Hijo de una familia italoamericana neoyorquina, nacido en plena Gran Depresión, sus comienzos de freelance en el negocio comiquero los hizo mientras cursaba sus años en la Escuela de Arte Industrial de Manhattan. Su primer trabajo publicado fue Jack Frost, una historia incluida en USA Comics #3 de la extinta Timely Comics donde Infantino haría el papel de entintador.

Debido a su buen desempeño, Joe Simon, editor de Timely y socio de Jack Kirby, le ofreció un trabajo de planta, pero Infantino lo tuvo que desechar ya que su padre no se lo permitió, aduciendo que “la escuela es lo primero. Si eres tan bueno, el trabajo estará esperando luego”.

Su característico trazo limpio y su realista cuidado de las proporciones, junto a su buen ojo de diseñador lo convirtieron en un artista reconocido en el medio, tanto de carátulas como de interiores. A lo largo de la década de los cuarenta, dibujó varios títulos, tales como Human Torch para Timely, algunos para Fawcett Comics y otras editoriales pequeñas, para arribar finalmente a DC Comics en una historia de Johnny Thunder para el número 86 de Flash Comics. Su arte seria una presencia habitual en títulos de la Era de Oro, tales como Green Lantern y Justice Society of America, pero no se limitaría a comics de superhéroes, explorando otras áreas tales como western, ciencia ficción y misterio.

El año 1956 sería testigo de un hecho de la mayor relevancia en la historia de los cómics, como sería el primer intento de DC Comics de relanzar a los superhéroes, en la actualización de un viejo conocido, el velocista escarlata The Flash. Era Showcase #4 y si bien el guión era de Robert Kanigher, la responsabilidad del rediseño del personaje en términos visuales cayó sobre los hombros de Carmine Infantino. Aplicando sus dotes y conocimientos de diseñador, Infantino creó el entonces nuevo look de The Flash que ahora es el clásico traje rojo con relámpagos amarillos, para acentuar el sentido de velocidad, utilizando un lenguaje visual que dejara claro los atributos del personaje, por un lado lo mas aerodinámico posible y por el otro transformándolo en un borrón escarlata y dorado cuando en movimiento. Este nuevo Flash sería la punta de lanza del renacimiento de los superhéroes en los cómics y transformó a Carmine Infantino en una leyenda y en el puente que unió a la Era de Oro y a la Era de Plata de los comics, como dijera Dan Didio en el blog de DC Comics, The Source.

Infantino se volvió un imprescindible de DC Comics y su visión comenzó a afectar a todos los títulos de la compañía. Es en parte obra de Infantino el haber devuelto una mayor oscuridad y seriedad a Batman en los sesenta, ya que el editor Julius Schwartz le encomendó junto al escritor John Broome su correspondiente actualización, lo que Infantino entendió como una vuelta a sus orígenes detectivescos y un llamado a liberar al encapotado de anacronismos como el Batiperro o el Bat-mite. Infantino fue co-creador de Barbara Gordon como nueva versión de Batichica; co-creador del personaje Deadman y de pasada ese mismo número de Strange Adventures es la primera historia relativa a drogas en un cómic que contó con la aprobación de la Comic Code Authority.

A mediados de los sesenta Infantino ya era un puntal casi inamovible de DC. Stan Lee trató de ficharlo para Marvel y para evitarlo, en DC le ofrecieron un cargo como director de arte, lo que luego se transformaría en director editorial. Se debe a este período de Infantino como ejecutivo de DC la transformación de la estructura de la compañía (artistas en importantes puestos ejecutivos), siendo de su responsabilidad la promoción de nombres como Joe Orlando y Joe Kubert a la categoría de editores. Fue de iniciativa de Infantino que a DC llegaron talentos en ese entonces jóvenes, tales como Neal Adams, Dennis O’Neal o Dick Giordano, completando así el capital humano necesario para la reactualización de varios personajes clásicos, tales como Green Lantern, Wonder Woman o el mismo Superman. No menor fue la contratación de la leyenda Jack Kirby por Infantino, que dio origen al mítico Cuarto Mundo, junto a otros memorables tales como Kamandi, Omac y The Demon. Spider Woman por Carmine Infantino.

Sin embargo, DC no llegó a superar a Marvel en esta época. Infantino regresó a su trabajo de dibujante y  trabajó para Marvel títulos tales como Spider Woman, Nova y Star Wars. Regresaría mas tarde a DC y a Flash, título que dibujaría hasta 1985. Carmine Infantino llevaba varios lustros retirado cuando se produjo su deceso, el pasado 4 de abril, pero aún hacía una que otra aparición pública en convenciones y eventos.

Aquí un video conmomerativo de la trayectoria de este dedicado artista:

Heroes Comeback

Heroes Comeback es un tomo recopilatorio especial de historias cortas que saldrá a la venta en marzo de 2013, cuyos beneficios serán donados para ayudar a restaurar las zonas que todavía no se han recuperado del todo tras el desastre natural que devastó a Japon en marzo de 2011.

Cada una de las historias cortas estará protagonizada por un conocido personaje de su autor. El mangaka Fujihiko Hosono, iniciador del proyecto, hará que el protagonista de su historia Gallery Fake visite la zona de Tohoku tras el desastre. Los primeros capítulos de este recopilatorio se comenzaron a publicar desde la segunda quincena de octubre pasado en la revista Weekly Big Comic Spirits (editorial Shogakukan).

Reconocidos artistas como Rumiko Takahashi (Ranma ½), Kazuhiro Fujita (Bakegyamon), Takashi Shiina (Zettai Karen Children), Hiromu Arakawa (Fullmetal Alchemist), Kazuhiko Shimamoto (The Skull Man), Masami Yuuki (KyuKyoku Chojin R) y Sensha Yoshida (Utsurun Desu) participarán también del proyecto. Todo lo recaudado será para Tohoku, la zona afectada por el sismo y tsunami.

De modo similar, el año pasado se publicó en Chile Vivir un terremoto (editorial Amauta), sobre el devastador sismo que padecieron los hermanos del sur el 2010. Es importante cómo se aprovecha la historieta para generar conciencia social sobre las problemáticas que afectan a cada ciudad y no limitar el género a ser un mero producto de entretenimiento, sin mayor profundidad.

"El extranjero" (Camus, 1942) ilustrado por José Muñoz

La editorial francesa Futuropolis sigue adelante con sus reediciones de grandes títulos originalmente, surgidos en la prestigiosa editorial Gallimard, a los que les agrega ilustraciones de los más destacados historietistas.

Esta vez le tocó al maestro José Muñoz, quien aportó 60 dibujos en insuperable blanco y negro para la nueva edición de L’Étrange, la clásica novela de Albert Camus, originalmente publicada en 1942, el año en que nació el gran dibujante argentino.

70 años después, Muñoz le da nueva vida a este texto clave de la literatura del Siglo XX que le valiera a Camus en Premio Nobel en 1957.

L’Étrange240 x 335 mm / 144 páginas / 22 €


Fuentes:
Comiqueano Online
Futoropolis

"Crónicas de Jerusalén" gana el Premio de mejor álbum en el Festival Internacional de Angoulême (2012)

Ya se conocen los premios del Festival Internacional de Angoulême de 2012. De los 98 álbumes en competición, los afortunados son los siguientes:
Fauve d’or al mejor album: “Crónicas de Jerusalem” (Delcourt) de Guy Delisle.
Delisle muestra su lado hogareño, al tener que hacerse cargo del cuidado de sus hijos mientras su mujer está fuera, pero también, sobre todo, las numerosas peculiaridades, extravagancias y absurdos propios de Jerusalén que el autor va descubriendo en sus vagabundeos: las restricciones a la libertad de desplazamiento, los interrogatorios sistemáticos, los enfrentamientos entre las diversas comunidades cristianas que gestionan el Santo Sepulcro… Todo ello aderezado con un estilo sobrio y un agudo sentido del humor.
El autor explica: “Hay cosas que sólo he entendido al estar en Jerusalén. Y cuando descubro algo nuevo tengo la debilidad de creer que es interesante compartirlo. Por ejemplo, me parecía pertinente explicar cómo funcionan las colonias, de qué forma está dividida en dos la ciudad, este tipo de cosas…”.
Delisle mantuvo un blog durante su estancia en Jerusalén titulado Jerusalén, un canadiense errante en la Ciudad Santa (http://www.guydelisle.com/blog/jerusalem), en el que explicaba sus experiencias cotidianas con el mismo espíritu presente en sus anteriores obras: mostrar una realidad social compleja sin caer en la complacencia o en la toma de partido.
Aquí un fragmento:

Las otras categorías premiadas fueron:
Premio Especial del Jurado: “Frank et le congrès des bêtes” (L’Association) de Jim Woodring

Premio a la Mejor Serie : “Cité 14″ – Temporada 2 tomo 1 – “Chers corrompus” (Humanoïdes associés) de Pierre Gabus y Romuald Reutimann

Premio Polar : “Intrus l’étrange” (Boîte à bulles) de Simon Hureau

Premio Revelación: “TMLP (Ta mère la pute)” (Cité sous Terre éditions) de Gilles Rochier

Premio Miradas al Mundo: “Una vida errante” – tomos 1 y 2 (Cornélius) de Yoshihiro Tsatsumi.

Premio de la Audacia: “Teddy Beat” (Requins Marteaux) de Morgan Navarro

Premio Intergeneraciones: “Bride Stories” – tomo 1 – (Ki-moon) de Kaoru Mori

Premio Juventud: “Zombillenium” T2, por Arthur de Pins (Dupuis).

Premio Patrimonio: “La dynastie de Donald Duck” – Integral de Carl Barks – Carl Barks
Premio a la BD alternativa: “Kus !” – volumen 9 – Editado en Riga (Letonia)

Premio BD Fnac: “Portugal” (Dupuis) de Cyril Pedrosa


Fuente: siguealconejoblanco.com

Batman: Noel (fragmento)

Inspirado en Un cuento de Navidad (Dickens, 1843), Batman: Noel es una obra creada por Lee Bermejo quien, a pesar de haberse dedicado exclusivamente a la ilustración en la mayor parte de su carrera profesional, ha sabido resolver, según la crítica estadounidense, una novela gráfica memorable, tanto en la calidad visual como en la narrativa.

Aquí un fragmento:

29 Salón Internacional del Cómic de Barcelona: Lista de Premiados

Gran Premio del Salón: Jordi Longarón.

Mejor Obra de Autor Español: El invierno del dibujante (Astiberri), de Paco Roca.

Mejor Dibujo de Autor Español: Blacksad Vol. 4: El infierno, el silencio (Norma), de Juanjo Guarnido.

Mejor Guión de Autor Español: El invierno del dibujante (Astiberri), de Paco Roca.

Premio Josep Toutain al Autor Revelación: David Sánchez.

Mejor Obra Extranjera Publicada en España: Los muertos vivientes (Planeta DeAgostini), de Robert Kirkman y Charlie Adlard.

Premio a la Mejor Película Basada en un Cómic: María y yo, de Félix Fernández de Castro, documental basado en la novela gráfica homónima de Miguel Gallardo.

Premio a la Mejor Librería de Cómic: Madrid Comics.

Premio a la Divulgación del Cómic: Santiago García.

Mejor Fanzine Español: El Naufraguito.

Mejor Revista Española de Cómic: Dolmen.

Premios populares:

Mejor Obra de Autor Español: Miguel, 15 años en la calle (Glénat), de Miguel Fuster.

Mejor Dibujo de Autor Español: Autobiografía no autorizada Vol. 3 (Diábolo), de Nacho Casanova.

Mejor Guión de Autor Español: Aventura bajo el pirineo (Cornoque), de Dani García-Nieto.

Premio al Autor Revelación: Josema Carrasco.

Mejor Obra Extranjera Publicada en España: Asterios Polyp (sins entido), de David Mazzucchelli.

Premio a la Mejor Película Basada en un Cómic: El Gran Vázquez, de Oscar Aibar.

Premio a la Divulgación del Cómic: Juan Royo.

Mejor Fanzine Español: Epilepsia.

Mejor Revista Española de Cómic: Malavida.


Fuente: La Bitácora de Maneco

Entrevista a a la artista Belén Ortega en Tebeósfera (España)

TEBEOSFERA. ¿Qué es para ti la historieta? BELÉN ORTEGA. Cada persona posee una pasión; para mí la historieta significa poder exteriorizar sensaciones, emociones e historias mediante lo que más me gusta hacer, dibujar. T. ¿Cuándo te das cuenta de que quieres dedicarte a la historieta? B. O. La pasión por crear, por dibujar, comienza para mí ya siendo una niña. T. ¿Cómo llega esa pasión? B. O. Por dibujar, como he mencionado antes, desde que era pequeña, pero mi pasión por el manga llega un poco más tarde (nueve o diez años) y a través de las series ánime que emitían en la televisión. Los primeros personajes que empecé a plasmar en papel eran clásicos como Sailor Moon, Evangelion o Rurouni Kenshin. T. ¿Cuándo y por qué surge la oportunidad de irte a Japón? B. O. Japón me apasiona desde siempre, y tras un viaje de placer que hice en 2007, me decidí a buscar becas para poder completar mis estudios allí. La pedí y tuve la suerte de que me la dieron a la primera, así que en primavera de 2008 puse rumbo a Osaka. Aunque el hecho de que me fuera a Japón no tiene nada que ver con que yo intentara encontrar un lugar en el mercado del cómic que no existía para mí aquí. Es algo totalmente diferente; es más una cuestión de conocer un país que me apasiona, su lengua y su cultura; una cuestión de desarrollo y de crecimiento personal. T. ¿Cómo fue ese primer contacto con Japón? B. O. El primer contacto siempre es una explosión de emociones, y más en un país tan excéntrico y particular como Japón; la sensación es de estar en otro planeta totalmente diferente. Cuando consigues “acostumbrarte” y llevas una temporada viviendo allí, empiezas a conocer desde dentro la sociedad japonesa y te das cuenta de cuánto había de cierto en esos mitos y tópicos que corren por ahí. Por desgracia, muchos sí son ciertos; están muy occidentalizados, la imagen en muchos momentos lo es absolutamente todo, es una sociedad colectivista y machista, en la que cuando, por ejemplo, una mujer se casa, se le pide que deje de trabajar y se dedique a las tareas del hogar. Pero, por otro lado, tienen una herencia cultural, una conciencia colectiva y un respeto al prójimo admirables. Es un país increíble, y creo que hay que mirar más allá de los meros prejuicios, porque la ignorancia es uno de los peores males de nuestro tiempo. Es muy cómodo quedarte con la información que te llega y no pararte a contrastar o investigar qué hay de cierto en ello o no. T. ¿Qué destacarías de ese país? B. O. Su tradición cultural, su filosofía y la belleza de sus paisajes. T. ¿Estabas en Japón cuando ganaste el premio del manga en Barcelona? B. O. Sí, eso fue en el Salón del Manga de Barcelona de 2008. Me llamaron para saber si podía estar en el salón y si podía pasarles imágenes de muestra de Himawari. Como no me dijeron para qué, me quedé bastante extrañada. Cuando les dije que estaban realizando una conferencia a las dos de la mañana a Japón tardaron poco en colgar (ja ja ja). T. ¿Cómo fue la vuelta a España? B. O. Bien y mal. Me costó muchísimo abandonar mi Japan life, sentía que dejaba un gran pedazo de mi corazón en aquella tierra. Pero, bueno, en cuanto volví, seguí con mi carrera y Glénat me ofreció la posibilidad de trabajar con ellos, así que no tuve tiempo que perder. T. ¿Podrías hablarnos de tus aficiones? B. O. Leer, leo libros de todo tipo, pero últimamente más de filosofía oriental. Resultan muy interesantes. También practico capoeira y, bueno, aparte de eso creo que, como todo el mundo, cine, naturaleza, ocio (nocturno… je je), etc. T. ¿Qué puedes contarnos de la obra que te ha dado reconocimiento, Himawari? B. O. Es una historia cuya premisa parte del típico cliché samurái: venganza, honor y poder. Tengo que decir, sin embargo, que aunque empieza siendo como te he dicho, una historia típica samurái, ha ido evolucionando junto conmigo misma a medida que la iba dibujando, y el resultado dista mucho de lo que yo pensaba que sería en un principio: se ha convertido en una historia profunda de sentimientos en la que el factor humano es lo que más cuenta. T. Antes de su reciente publicación como libro, Himawari se presentó en dos publicaciones distintas, el fanzine Sugoi Magazine (2006) y la revista Line Mangazine (2007). Parece que es una historia que te acompaña ya desde hace bastante tiempo, ¿cómo fue la génesis de Himawari y cómo ha sido su evolución? B. O. Desde que descubrí la figura del samurái y el Japón feudal mediante series como Rurouni Kenshin, fue un género que me apasionó desde el primer momento y se convirtió en una gran fuente de inspiración para mí. En 2004 empecé a dar salida a todas mis pasiones y dibujé los primeros diseños de los futuros Himawari y Shunya actuales, y tenía claro que sería una historia de venganza. Más tarde, en 2006, como mencionas, llevé al papel la base argumental del actual Himawari: dos hermanos que se infiltran en el clan de uno de los posibles responsables de la muerte de sus padres. En nueve páginas narraba cómo los intereses de ambos hermanos acaban chocando y cómo la hermana, arrastrada por la situación, acaba asesinando a su propio hermano. La sinopsis general me gustó como idea, y creí que sería un buen punto de partida para desarrollar la historia de una manera más amplia, así que cuando en 2007 se me propuso colaborar en la revista de Mangaline, utilicé de base el mismo argumento, lo amplié y creé el primer capítulo de Himawari (el mismo recogido en el tomo de Glénat). La historia parecía que tenía tirón, así que de nuevo decidí apostar por ella para sacarla con la línea Gaijin este año 2011. Por el paso del tiempo y para dar más homogeneidad al estilo tuve que redibujar algunas cosas del primer capítulo, pero en esencia es el mismo que se publicó en la Line Mangazine de 2007. T. ¿Qué tipo de historias quieres crear en un futuro? B. O. Después de terminar Himawari me he dado cuenta de que me interesa mucho narrar historias con carga emocional y ahondar en el mundo interno del personaje. Aunque eso puede variar en cualquier momento y, yo qué sé, me apetezca dibujar a Superman dando volteretas por ahí. Todo es posible. Fuente: BELEN ORTEGA; JOSÉ MANUEL HINOJOSA; FELIX LOPEZ (2011): "PASIÓN POR EL MANGA. ENTREVISTA A BELEN ORTEGA" en TEBEOSFERA 2ª EPOCA 7, GRANADA : TEBEOSFERA. Disponible en línea en: http://www.tebeosfera.com/documentos/textos/pasion_por_el_manga_entrevista_a_belen_ortega.html

Estrategias comerciales de las editoriales independientes en Estados Unidos

Editoriales independientes de mayores ventas (Diamond Comic Distributors, noviembre 2010).

Ace Masters, columnista de Comics Bulletin, escribió hace poco sobre algunos criterios que deben considerar las editoriales independientes en Estados Unidos para poder competir en el mercado.

Recalcó que era importante conocer las estrategias de las editoriales independientes con mayores ventas, qué hacen y cómo lo hacen, qué funciona y qué no funciona para ellas, qué títulos publican, cómo se promocionan, qué tienen en cómun...

Si bien Masters considera relevante el esfuerzo de los artistas que participan en estas editoriales, también destaca el uso de trabajar con franquicias. Aprovechar la popularidad de Star Wars, Transformers o Buffy, les permite ofertar comics a un público ya construido. Así es como explica que estas editoriales puedan tener una participación mayor en el mercado que Archaia, Fantagraphics o Hachette, por ejemplo. Llegar al público con personajes nuevos implica, evidentemente, un esfuerzo mayor.

DIARIO CORREO: DE CIUDAD GOTICA A LIMA

EL ARGENTINO ARIEL OLIVETTI,

ILUSTRADOR DE LA MARVEL, CUENTA SUS SECRETOS20/03/2011

DE CIUDAD GOTICA A LIMA

Ariel Olivetti, argentino, logró el sueño de todo niño que creció leyendo cómics: ingresó a la industria norteamericana de la mano de Marvel Cómics en 1994. Su primer trabajo fue The Last Avengers (Los Últimos Vengadores) y, desde ese momento, y debido a la calidad de su obra, no ha parado de ilustrar para el rubro de los superhéroes. Sea ya en Marvel Cómics, donde empezó, y con la que tiene ahora un contrato de exclusividad hasta el 2012, o en DC Cómics, la marca "rival", donde laboró en algunas oportunidades hasta el 2006.

Ariel charló con nosotros a su salida de un taller que brindó en el Toulouse Lautrec y mostró, entre otras cosas, las facetas y cualidades que lo caracterizan y que han hecho que sea uno de los no pocos latinoamericanos que se mantienen en la industria de la viñeta norteamericana.

Acabas de tener contacto con algunos jóvenes diseñadores peruanos. ¿Crees que se tiene el nivel para enfrentar los retos de la industria norteamericana?

Sí, tranquilamente. De hecho, en el curso de hoy, uno de los chicos, que ya conozco desde el año pasado, presentó carpetas en Marvel y fue aceptado. Ahora está esperando que le den trabajo. Tiene un nivel espectacular.

¿Siempre tuviste la idea de ser dibujante de cómics?
Siempre tuve la idea de ser dibujante. Lo del cómic se fue dando por la búsqueda de un trabajo más regular dentro de lo que es el dibujo. Yo empecé siendo ilustrador de publicidad y, en general, de todo. Después empecé haciendo portadas de revistas de cómics. Pero portadas hay una sola por mes, y eso si tienes la suerte de que te llamen todos los meses. En cómics tienes unas cuantas páginas. Entonces, era fácil la ecuación: quiero hacer historietas.

Entonces, ¿lo económico pesó?

Sí. Tuve que estudiar bastante la forma de narrar para poder meterme al mundo del cómic. Entré por el lado de la ilustración.

Alguna vez mencionaste que al entrar a la industria norteamericana te era más sencillo adaptarte a nivel técnico. ¿Cómo fue este proceso?

Al principio fue medio peliagudo. Lo que pasa es que yo no era narrador, era lector de historieta europea. Y la historieta europea narra bien. Narra muy bien. Lo que leí proveniente de Norteamérica era Richard Corben, pero no es de superhéroes. Su esquema de narración es bastante europeo. Yo me considero un lector de la buena narración. Incluso, en el momento en que yo empiezo a hacer cómics en el mercado americano, precisamente lo que le faltaba era narración buena porque era la época de las páginas desplegables, donde había dibujos sensacionales, pero no se contaban historias. Yo entré bien por ese lado.

¿En cuál de las marcas en las que estuviste, Marvel y DC, pudiste progresar más técnicamente?
Es difícil decirlo porque para mí es la misma cosa DC y Marvel. De hecho, al editor con el que estoy trabajando ahora en Marvel yo lo conocí en DC. Y al editor con el que trabajé en DC durante mucho tiempo yo lo conocí en Marvel. Y las editoriales son los editores.

Vendría a ser sólo una cuestión de nombre...

Exactamente. Es lo mismo. Lo de nombre y de contenido en cuanto cantidad de personajes que tienes para explotar. Por ejemplo, en DC tienes menos cantidad de personajes populares para explotar mientras que en Marvel tienes una gama, un abanico mucho más amplio. Entonces, puedes llegar a hacerte popular, aunque te den personajes de bajo perfil.

Para ti, ¿cuál es el personaje más rico para dibujar?

Para mi estilo, son todos los personajes que tengan una anatomía superdesarrollada. A mí me gusta hacerlos, exagerarlos. Eso me divierte. Cualquier personaje que tenga ese tipo de gráfica me gusta hacerlo.

¿Y dónde crees que te nace el gusto por esta clase de personajes? Ya que uno de tus primeros personajes fue Cazador (1992) y era prácticamente eso.
Sí, es eso. Siempre me gustó la anatomía, me gustó estudiarla y practicar esa rama del dibujo.

¿Porque es técnicamente más difícil?

No, sino porque era lo que me divertía más a mí. Hay gente a la que le encanta dibujar autos, hay otros que se destacan dibujando mujeres, otros monstruos. A mí se me dio por los musculitos. (Risas)

Datos
� Ariel Olivetti nace en 1967 en Buenos Aires. Después de estudiar diseño trabajó en varias revistas hasta que en 1994 publica su primer trabajo en Marvel.

� Olivetti ha trabajado en diversas técnicas, color, blanco y negro, digital, acrílicos y óleos. Ha firmado un contrato de exclusividad con MARVEL.

(Colaboración: Paulo Rosas Barrios)

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OLIVETTI ESPERA MÁS EVENTOS COMO EL DE HOY

"El cómic es el noveno arte" ¿Eres de los que llama noveno arte al cómic?

Sí. Es una forma distinta de expresarse y, si bien se parece a un montón de otras formas expresivas, es parecida, pero no suplanta ninguna ni es suplantable por ninguna otra. No es un libro, no es una película, no es un videojuego. Es cómic. No es cuadro, no es arte plástico. Es un arte más.

¿Qué expectativas tienes de este Lima Cómics 2011?

Las mejores. Recién estuve en Telefónica para ver las obras y la verdad que todo es de primer nivel. Todo a nivel del primer mundo. Me imagino que este domingo va a explotar eso.

¿Crees que esta clase de evento posee una relevancia para la escena de cómics en la región?

Yo creo que sí. Puede que un chico de nueve años que vaya el sábado o el domingo, o el simple hecho de que estemos nosotros o la posibilidad de comprar un cómic despierte la cabeza de un monstruo, de un artista espectacular o de un futuro editor. Mientras funcionen estos eventos hay posibilidades de que se generen cosas.